Llamada de Trabajos

60 Años de El Derecho a la Ciudad (1968-2028). Arte, cultura y comunicación

En la década de 1960 se publicó una de las aportaciones más influyentes a los estudios urbanos y a la construcción de la ciudadanía en la sociedad contemporánea. Se trata de la obra-manifiesto El derecho a la ciudad, de Henri Lefebvre (1968), publicada en el contexto del movimiento social de Mayo del 68 en Francia, la contestación estudiantil que, mediante protestas y huelgas, movilizó a toda una generación a cuestionar formas de vida asentadas, valores y estructuras sociales arraigadas. Esa insurgencia simbólica —también política— en defensa de la libertad y de nuevas formas de vida resonó en el mundo occidental con efectos duraderos en el pensamiento crítico, la cultura urbana y la organización popular. Este texto seminal defiende El derecho a la ciudad como derecho fundamental y distingue tres vertientes: producto, obra y fiesta. La primera, el producto, se refiere a la ciudad como lugar del consumo y la mercancía, con valor de cambio. La segunda, la obra, versa sobre la creación colectiva y el uso basados, por un lado, en la apropiación del espacio y del poder y, por otro, en la participación e implicación de los habitantes en la vida social y la práctica cotidiana. La fiesta, a su vez, configura la ciudad como lugar de encuentros, alegría y vivencias compartidas. Por tanto, el arte, la cultura y la comunicación se relacionan con El derecho a la ciudad como producción y expresión de esa vida urbana.

El concepto de El derecho a la ciudad ha sido ampliamente utilizado por investigadores que se ocupan de la cuestión urbana (y rural), abordando, sobre todo, aspectos de esa vida cotidiana, procesos de exclusión social y de segregación espacial, desigualdades diversas en el acceso a recursos y servicios urbanos, y formas de resistencia expresadas en las luchas por el reconocimiento y la participación ciudadana en la producción del espacio. Al mismo tiempo, esa participación ciudadana se ha consolidado como bandera de movilizaciones sociales que reivindican el acceso a derechos fundamentales y la transformación de las dinámicas socioespaciales, en la línea de la humanización y coproducción de territorios por y para las comunidades. Por otro lado, el concepto de El derecho a la ciudad ha sido apropiado por la esfera política y sus agentes decisores, lo que ha resultado en un estrechamiento de su sentido original, reducido al conjunto de «derechos en la ciudad», aunque importantes, como el acceso a la vivienda y al espacio público. Mientras tanto, se forjan diversas prácticas artísticas y manifestaciones culturales y discursivas que exploran la idea rectora de El derecho a la ciudad, reivindicando el espacio colectivo y lo común como lugar político y revolucionario de expresión de inquietudes, de convivencia y de transformación social.

Seis décadas después de la formulación de El derecho a la ciudad por Henri Lefebvre (1968), nos proponemos revisitar, examinar y debatir críticamente su obra, y explorar nuevas pistas de investigación a partir del análisis de esas prácticas artísticas, manifestaciones culturales y expresiones narrativas. Proponemos cuestionar su relevancia y actualidad —tanto del concepto como de las formas de creación asociadas— para la lectura crítica del espacio social, como producto y forma de producción (Lefebvre, 1974): ¿qué se ha cumplido?, ¿qué sigue abierto?, ¿cuál es el potencial de transformación de El derecho a la ciudad ante los retos actuales? Invitamos, pues, a la presentación de artículos teóricos, conceptuales, metodológicos y empíricos —así como de ensayos, reseñas, entrevistas y testimonios— que trabajen estas cuestiones desde el universo de las artes, la cultura y la comunicación. Buscamos contribuciones originales y miradas interdisciplinares procedentes de los campos de la arquitectura y los estudios urbanos, las artes visuales y escénicas (cine, teatro), el arte mediático y los estudios digitales, y los estudios culturales y de comunicación, entre otros relevantes, que señalen ejemplos de ese derecho superior en un diálogo estrecho entre producto, obra y fiesta, en la renovación de la vida urbana.

Referencias

Lefebvre, H. (1968). Le droit à la ville. Anthropos.

Lefebvre, H. (1974). La production de l'espace. Anthropos.

Fechas clave

Fecha límite para la presentación de trabajos: 30 de septiembre de 2027

Notificación de aceptación: 15 de noviembre de 2027

Envío de la versión final: 31 de diciembre de 2027

Publicación: 1 de febrero de 2028

Editoras: Sílvia Leiria Viegas (CIAC, Universidade do Algarve); Isabel Cristina Carvalho (CIAC, Universidade Aberta).

Sílvia Leiria Viegas es doctora en Arquitectura por la Universidade de Lisboa (2015), con la tesis Luanda, Cidade (im)Previsível? Governação e Transformação Urbana e Habitacional: Paradigmas de Intervenção e Resistências no Novo Milénio. Fue investigadora posdoctoral con el proyecto Inclusão Sócio-espacial e Habitacional dos Refugiados na Europa de hoje: Lições da Diáspora Africana em Portugal, financiado por la Fundação para a Ciência e a Tecnologia (FCT) y desarrollado en el Centro de Estudos Sociais de la Universidade de Coimbra (2017-2022). Actualmente es investigadora en el CIAC, Universidade do Algarve, donde desarrolla el proyecto Refugee Research for (Post)Covid-19. National Measures and Local Actions in the Algarve: A Digital Tour for Access to Adequate Housing and Living Conditions (FCT, 2022-2028). https://www.cienciavitae.pt/portal/8A19-EE99-A30F — https://orcid.org/0000-0002-3265-3108

Isabel Cristina Carvalho es artista e investigadora, con formación en Arquitectura y doctora en Arte Digital y Medios (2016), con foco en medios locativos y flujos urbanos. Fue investigadora posdoctoral en Animación Computacional en la Universidad de Bournemouth (2018-2019). Actualmente es investigadora en el CIAC, Universidade Aberta, donde estudia procesos de cartografía comunitaria y colaborativa, y la relación entre personas, espacios y tecnología, con foco en las interacciones entre lo real y lo virtual en experiencias urbanas híbridas a través del arte mediático locativo. https://www.cienciavitae.pt/portal/en/B518-C55C-BFBF — https://orcid.org/0000-0002-0499-7464

Reconfigurando la Performance Musical en la Era de los Nuevos Medios

Este número especial tiene como objetivo examinar el impacto de las prácticas de arte de los nuevos medios en la performance musical de instrumentistas con formación clásica. Busca explorar cómo estas prácticas están reconfigurando los roles e identidades de los intérpretes, desplazándolos de intérpretes a creadores híbridos comprometidos con la interactividad, los algoritmos y los sistemas generativos. Más allá de reflexionar únicamente sobre desarrollos pasados, el número enfatiza cómo la performance opera dentro de paradigmas de co-agencia en la creación multimedia, entendida como un proceso distribuido que reconfigura la autoría y la agencia.

En este contexto, la co-agencia se refiere a la interacción dinámica y distribuida entre intérpretes humanos y sistemas tecnológicos, en la que la agencia emerge de manera relacional en lugar de residir exclusivamente en el intérprete.

La performance, particularmente en el contexto de instrumentistas con formación clásica, es una actividad física y cognitiva compleja que integra la intención sonora (intenciones musicales expresadas mediante la estructura, el fraseo y la dinámica), el ritmo (la organización temporal del sonido) y la articulación (la configuración del sonido a través del ataque, la duración y la liberación) (Laukka, 2004; Palmer, 1997). En el proceso de interpretar una partitura para un público (Travasso & Gomes, 2021), esta interacción entre lo físico y lo cognitivo opera de dos maneras complementarias: (1) movimientos físicos planificados y ejecutados conscientemente; y (2) movimientos que emergen de prácticas corporizadas, a menudo inconscientes (Nijs et al., 2013).

La partitura desempeña un papel mediador central entre compositores e intérpretes, generando posibilidades interpretativas y nuevas formas artísticas (Doyle & Toniutti, 2023; LaBelle, 2006). Como señala Cook (2014), la interpretación de la música clásica occidental escrita refleja las decisiones interpretativas de los intérpretes, moldeadas tanto por su creatividad como por su conocimiento de la cultura musical. En este sentido, la performance instrumental puede entenderse como compuesta por dos dimensiones interrelacionadas: la adquisición de habilidades técnicas que permiten la interpretación musical y la aplicación de conocimientos culturales y estilísticos para estructurar dicha interpretación. Juntas, estas dimensiones dan lugar a la realización performativa de la partitura.

Otra característica definitoria de la performance musical es su estrecha relación con la tecnología. La evolución continua de los instrumentos musicales, junto con las cambiantes demandas performativas, ha requerido que los instrumentistas adapten y amplíen su práctica (Magnusson, 2019). En el contexto más amplio de la revolución digital y de la información, los intérpretes contemporáneos enfrentan nuevos desafíos técnicos, tecnológicos y estéticos (Castilho et al., 2021; Ferguson & Brown, 2016). Este escenario ejerce una presión creciente sobre los intérpretes para adquirir nuevas competencias y redefinir su papel. Los instrumentistas actuales operan en un entorno complejo en el que las habilidades musicales tradicionales se entrelazan con la competencia tecnológica y prácticas artísticas experimentales, dando lugar a lo que puede denominarse el “post-intérprete”.

Este rol ampliado abarca no solo la interpretación, sino también el diseño sonoro, la composición y la interacción en tiempo real con sistemas digitales. Así, los instrumentistas contemporáneos deben adoptar un enfoque multifacético en el que la tecnología extiende la fisicalidad del cuerpo y reconfigura los límites de la práctica musical y la expresión artística.

En resumen, estas perspectivas destacan el impacto profundo y multifacético de la tecnología en la performance musical, ofreciendo valiosas perspectivas sobre las identidades y prácticas en evolución de los músicos contemporáneos en contextos de arte de los nuevos medios.

TEMAS DE INTERÉS
Se aceptan contribuciones que incluyan, entre otros:
• Paradigmas del post-intérprete e identidades artísticas híbridas
• Co-agencia, autoría distribuida e interacción humano–máquina en la performance
• Prácticas de arte de los nuevos medios en la performance instrumental
• Performance instrumental y sistemas generativos/algorítmicos
• Interacción en tiempo real, electrónica en vivo e instrumentos aumentados
• Corporalidad, gesto y técnicas instrumentales extendidas en contextos tecnológicos
• El papel de la partitura en la performance mediada tecnológicamente
• Diseño sonoro y composición en la práctica instrumental
• La performance como espacio de investigación en metodologías artísticas y basadas en la práctica
• Estéticas postdigitales y prácticas performativas experimentales
• Inteligencia artificial y aprendizaje automático en la performance musical
• Escucha expandida y nuevos modos de participación del público

Fecha límite para la presentación de trabajos: 30 de septiembre de 2026
Notificación de aceptación: 15 de noviembre de 2026
Envío de la versión final: 31 de diciembre de 2026
Publicación: 28 de febrero de 2027

Referencias

Castilho, L., Dias, R., & Pinho, J. (2021). Perspectives on Music, Sound and Musicology: Research, Education and Practice. Springer. https://doi.org/https://doi.org/10.1007/978-3-030-78451-5

Cook, N. (2014). Between art and science: Music as performance. J. Br. Acad., 2(March), 1–25. https://doi.org/10.5871/jba/002.001

Doyle, K., & Toniutti, A. (2023). Problem as Possibility: A Dialogue about Performance and Analysis with Lucia Dlugoszewski’s Experimental Notation as Case Study. In Contemporary Music Review (Vol. 42, Issue 1, pp. 100–113). https://doi.org/10.1080/07494467.2023.2193090

Ferguson, J. R., & Brown, A. R. (2016). Fostering a Post-Digital Avant-Garde: Research-led teaching of music technology. Organised Sound, 21(2), 127–137. https://doi.org/10.1017/S1355771816000054

LaBelle, B. (2006). Background Noise: Perspectives On Sound Art. Continuum.

Laukka, P. (2004). Instrumental music teachers’ views on expressivity: a report from music conservatoires. Music Education Research, 6(1), 45–56. https://doi.org/10.1080/1461380032000182821

Magnusson, T. (2019). Sonic Writing, technologies of material, symbolic & signal inscriptions. In Boomsbury Acad. https://doi.org/10.5040/9781501313899

Nijs, L., Lesaffre, M., & Leman, M. (2013). The musical instrument as a natural extension of the musician. In M. Castellengo, H. Genevois, & J.-M. Bardez (Eds.), Music and its instruments (pp. 467–484). Editions Delatour France.

Palmer, C. (1997). Music Performance. Annual Review of Psychology, 48(1), 115–138. https://doi.org/https://doi.org/10.1146/annurev.psych.48.1.115

Travasso, R., & Gomes, J. A. (2021). Evolving Instrumentalist - a continuous trajectory. In I. Guerrero & D. Galindo (Eds.), I Congreso Internacional “Intersección: arte, sociedad y tecnología en la innovación musical" (pp. 186–191). Procompal Publicaciones.

Estudios Cinematográficos Mediterráneos

Los estudios cinematográficos han sido centrales en la historia de la producción audiovisual desde principios del siglo XX, desde los primeros invernaderos de vidrio hasta los enormes complejos de Hollywood y otros lugares. Los estudios transmiten una impresión de glamour y misterio, lo que ha convertido a muchos de ellos en atracciones turísticas. Sin embargo, en los estudios cinematográficos, la atención se ha centrado principalmente en la interpretación de las películas, en la trayectoria de directores, productores, estrellas, o en el estudio de los públicos y los lugares de exhibición. En aquellos estudios donde los estudios aparecen, a menudo se amalgaman en la historia de las productoras, como herramientas necesarias para alcanzar objetivos financieros, en lugar de ser considerados como lugares específicos dignos de estudio propio.

Los estudios son laboratorios de innovación y creatividad. Son estructuras físicas que reflejan su función, pero que también median tendencias arquitectónicas y culturales más amplias. Son entornos de trabajo estructurados en torno a convenciones, reglas, políticas y prácticas colaborativas específicas, y pueden verse como microcosmos de desarrollos sociales y políticos más amplios. Es esta naturaleza multifacética de los estudios cinematográficos la que ha comenzado a ser redescubierta recientemente por los académicos, especialmente en los trabajos de Brian Jacobson (2015 y 2020) y Street et al (2026).

Mientras que la historia de los grandes estudios de Hollywood está relativamente bien documentada, hay, con pocas excepciones (por ejemplo, García de Dueñas y Gorostiza, 2001; Street 2024), relativamente poco trabajo sobre estudios en otros lugares. Street et al han mapeado las historias de los estudios de Gran Bretaña, Francia, Alemania e Italia desde el inicio del cine sonoro hasta finales de los años 50, destacando la interacción y el tráfico transnacional entre estos países. La antología de Jacobson ofrece una gama más amplia de estudios de caso y períodos, pero en su enfoque distinto, carecen de contextos e interacciones transnacionales más amplios.

Reconociendo la necesidad de reconsiderar las conexiones y redes regionales y transnacionales, esta convocatoria se basa en estas intervenciones e invita a contribuciones que exploren las historias de los estudios cinematográficos en el espacio mediterráneo (Europa del Sur, Norte de África, el Levante), desde los primeros días del cine hasta el presente, y sus relaciones entre sí. Nos interesan especialmente los siguientes temas:

  • Historias de estudios individuales
  • Estudios como símbolos de la cultura nacional
  • Relaciones transnacionales entre estudios
  • Arquitectura y diseño de los estudios
  • Destinos posteriores de los estudios como patrimonio, atracciones turísticas o bienes raíces
  • Prácticas laborales
  • Cambios tecnológicos

Bibliografía:

García de Dueñas, J., & Gorostiza, J. (2001). Los estudios cinematográficos españoles. Academia de las Artes y de las Ciencias Cinematográficas.

Jacobson, B. R. (2015). Studios before the system: Architecture, technology, and the emergence of cinematic space. Columbia University Press.

Jacobson, B. R. (Ed.). (2020). In the studio: Visual creation and its material environments. University of California Press.

Street, S. (2024). Pinewood: Anatomy of a film studio in post-war Britain. Springer.

Street, S., et al. (2026). Film studios in Britain, France, Germany and Italy: Architecture, innovation, labour, politics, 1930–60 (forthcoming). Bloomsbury.

Tim Bergfelder es Profesor de Estudios Cinematográficos en la Universidad de Southampton (Reino Unido). Es coeditor de la revista Screen, editor de la serie Film Europa de Berghahn y de la serie Palgrave European Film and Media Studies. Es coautor del libro próximo a publicarse Film Studios in Britain, France, Germany and Italy. Architecture, Innovation, Labour, Politics, 1930–1960; Londres: BFI/Bloomsbury (2026). Publicaciones anteriores como autor, editor y coeditor incluyen “EXIL SHANGHAI as Audio-Visual Archive and Cross-Cultural Collage.” En: Angela McRobbie (ed.), Ulrike Ottinger. Film, Art and the Ethnographic Imagination (Bristol: Intellect, 2024); The German Cinema Book (segunda edición, Londres; BFI, 2020); “Popular European Cinema in the 2000s: Cinephilia, Genre and Heritage,” en Mary Harrod, Mariana Liz, y Alissa Timoshkina (eds.), The Europeanness of European Cinema. Identity, Meaning, Globalization, Londres y Nueva York: I.B. Tauris, 2015; Destination London: German-speaking émigrés and British Cinema, 1925–1950 (Oxford y Nueva York: Berghahn, 2008); Film Architecture and the Transnational Imagination: Set Design in 1930s European Cinema (Ámsterdam: Amsterdam University Press, 2007); International Adventures. Popular German Cinema and European Co-Productions in the 1960s (Oxford y Nueva York: Berghahn, 2005).

  • https://orcid.org/0000-0001-6585-6123
  • https://www.southampton.ac.uk/people/5wyk6m/professor-tim-bergfelder

Daniel Biltereyst es profesor titular de estudios cinematográficos y mediáticos y director del Centre for Cinema and Media Studies (CIMS) en la Universidad de Gante. Especialista en historia del cine y los medios, audiencias históricas, censura y controversias mediáticas, es una figura central en el desarrollo de la New Cinema History. Es miembro electo de la Academia Europaea y cofundador de la red internacional HoMER, dedicada a la investigación sobre exhibición, distribución y recepción cinematográfica. También se desempeña como programador de Film Plateau, el cineclub universitario que ayudó a fundar. Biltereyst cuenta con una amplia experiencia en comités de evaluación científica y pedagógica en varios países y ha obtenido financiación para la investigación tanto a nivel nacional como internacional. Ha dirigido más de 25 proyectos de doctorado y ha publicado extensamente en revistas académicas de primer nivel, además de haber coeditado volúmenes clave como The Routledge Companion to New Cinema History, Mapping Movie Magazines, New Perspectives on Early Cinema History, Cinema in the Arab World y The Screening Censorship Companion."

Jorge Manuel Neves Carrega es miembro titular del CIAC – Centro de Investigación en Artes y Comunicación de la Universidad del Algarve, donde imparte cursos de cine, artes y comunicación desde 2012. Actualmente coordina el Grupo de Trabajo de Estudios Cinematográficos del CIAC y organiza el Coloquio de Cinemas Mediterráneos. También es vicepresidente de AIM – Asociación de Investigadores de la Imagen en Movimiento. Actualmente investiga la historia de la exhibición cinematográfica en el Algarve y coordina el proyecto CURATE, que estudia la colección de carteles del Museo Municipal de Faro.

Jorge Carrega es autor de siete libros, incluyendo “Géneros Populares y Cine Transnacional en Europa Mediterránea” (CIAC, 2023), “Elvis Presley y la Cultura Popular del s. XX” (CIAC, 2023) y “Brief Cultural History of Faro” (UFF, 2018). Ha publicado alrededor de cincuenta artículos y capítulos de libros en diversas publicaciones académicas.

Fecha límite para el envío de artículos: 27-02-2027
Notificación de aceptación: 30-04-2027
Envío de la versión final: 29-05-2027
Publicación: 30-07-2027

Métodos visuales para investigar la comunicación desde perspectivas creativas y multimodales

Los métodos visuales ofrecen una vía alternativa para explorar la realidad desde una perspectiva visual mediada con la intención de trascender los límites y la especificidad disciplinar que restringen el potencial creativo de las ciencias sociales. Existe un consenso general respecto a la comprensión de los métodos visuales como aquellos que incorporan la creación visual en el proceso de investigación, aunque van más allá. Prácticas mediáticas multimodales, aproximaciones sensoriales y métodos participativos o colaborativos componen este campo flexible y en constante desarrollo, caracterizado por dar sentido a las representaciones y creaciones audiovisuales en el propio proceso de investigación (Pink, 2009; Bouldoires et al., 2017; Yvart et al., 2023). Este movimiento destaca por su carácter independiente, interdisciplinar e in-disciplinar. Las relaciones corporales y subjetivas (Ruby, 2000; MacDougall, 1995) que intervienen en la experiencia visual y construyen la representación ejemplifican las múltiples ambiciones de estos métodos, que necesitan una reflexión sobre los datos generados no siempre suficientemente considerada (Buckingham, 2009; Switzer, 2018). Aproximaciones como las de Cruz, Sumartojo y Pink (2017) y Ibanez-Bueno y Marín (2021) se enfocan en los nuevos procesos, herramientas digitales y nuevas escrituras científicas para explorar su potencial. Estas propuestas permiten pensar formas integradas de producción y presentación del conocimiento, como el webdocumental, las narrativas transmedia o los entornos inmersivos en 360º, que expanden los modos tradicionales de comunicar los resultados.

La creación visual como herramienta metodológica no implica que el objeto de estudio sea un objeto o fenómeno visual, pero como método y enfoque se relaciona ineludiblemente con los estudios sobre la visualidad (Contreras y Marín, 2022) y con la práctica comunicativa. Las imágenes pueden cumplir multitud de papeles en los procesos de investigación y ser integradas de diversas formas: producidas por los participantes, creadas con objetivos experimentales, encontradas y utilizadas como datos empíricos o como artefactos evocadores, pueden ser teorizadas, utilizadas para la obtención de nuevos datos, para documentar procesos o para explorar representaciones e interpretaciones subjetivas y compartidas. La pretensión integradora de los métodos visuales cuestiona la ética, la visualidad, la mirada, el rol y la corporeidad del investigador, así como las formas de crear y compartir el conocimiento.

Imagem de cubierta: Instalación "Artificial Life: One Lag at a Time", de Ary-Yue Huang y Varvara Guljajeva (ARTECH 2023 - Faro)

TEMAS POSIBLES

Invitamos a la publicación de artículos, tanto empíricos como teóricos, que reflexionen sobre las formas de investigación visual.

  • Metodologías visuales y tecnologías emergentes
  • Visión e inteligencia artificial en metodologías visuales de investigación
  • Intersecciones entre métodos visuales y prácticas de investigación-creación.
  • Estudios críticos sobre ética interpretativa en los procesos de investigación visual.
  • Creación y estética científica visual: posdocumental, inmersivo, interactivo o transmedia.
  • Casos y restituciones visuales digitales de investigación
  • Epistemología y estudios sobre la visualidad algorítmica
  • Análisis de políticas visuales algorítmicas en el reconocimiento de regímenes escópicos.

FECHAS CLAVE

Fecha límite para el envío de propuestas: 27 de febrero de 2026

Notificación de aceptación: 15 de mayo de 2026

Envío de la versión final: 29 de mayo de 2026

Publicación: 30 de setiembre de 2026

COORDINADORES

Alba Marín Carrillo, Universidad de Extremadura (España)
albamarin@unex.es
https://scholar.google.es/citations?user=M-WRiv8AAAAJ&hl=es
https://orcid.org/0000-0003-0285-7086

Charles-Alexandre Delestage. Université Bordeaux Montaigne (Francia)
charles-alexandre.delestage@u-bordeaux-montaigne.fr
https://scholar.google.es/citations?user=UCkwGAUAAAAJ&hl=es&oi=ao
https://orcid.org/0000-0002-7842-049X

Fernando Contreras Medina. Universidad de Sevilla (España)
fmedina@ues.es
https://scholar.google.es/citations?user=HtUZNuYAAAAJ&hl=es
https://orcid.org/0000-0003-1105-5800

Ricardo Ignacio Prado Hurtado. Universidad Anáhuac (México)
r.prado@anahuac.mx
https://scholar.google.es/citations?user=WPoUKnEAAAAJ&hl=es&oi=ao
https://orcid.org/0000-0002-4502-428X

Alba Marín. Profesora PAD de la Universidad de Extremadura (Área de Comunicación Audiovisual y Publicidad). Ha sido investigadora postdoctoral en la Universidad de Sevilla (NextGenerationEU) y profesora ATER del departamento de Communication Hypermédia de la Université Savoie Mont Blanc. Es doctora internacional en comunicación por la Universidad Grenoble Alpes / USMB y la Universidad de Sevilla. Maître de Conférences en Sciences de l’Information et de la Communication (section 71) y miembro de los grupos SEJ003: AR-CO (Área de Comunicación) y HUM868: Estudios Visuales, Arte, y Patrimonio Cultural. Su trabajo explora la importancia social de la imagen, el activismo de medios y el documental social en el marco de los Estudios y los Métodos Visuales.

Charles Alexandre Delestage. Profesor Titular en Ciencias de Información y Comunicación del departamento Métiers du Multimédia et de l’Internet (MMI) y miembro del laboratorio MICA de la Université Bordeaux Montaigne (Francia). Doctor en Información y Comunicación por la Université Polytechnique Hauts-de-France. Imparte docencia sobre comunicación audiovisual y producción de mediaciones inmersivas. Sus trabajos se centran en el uso de métodos visuales para la recogida subjetiva de datos sobre la experiencia emocional del individuo (desarrollo de Spot Your Mood) y la recepción de las tecnologías inmersivas en la cultura.

Fernando Contreras Medina. Catedrático del departamento de Periodismo 1 en la Universidad de Sevilla en la que imparte Cibercultura, Diseño y Estudios Visuales. Es autor de El cibermundo. Dialéctica del discurso informático (1998), uno de los primeros estudios narrativos en España sobre el videojuego. Sus últimas publicaciones son Estudios Visuales en Brasil (2022), El arte en la cibercultura. Introducción a una estética comunicacional (2018) y La desobediencia visual. Estética de los movimientos sociales del siglo XXI (2021).

Ricardo Ignacio Prado Hurtado. Profesor-investigador y coordinador de posgrado en el Centro de Investigación para la Comunicación Aplicada (CICA) de la Universidad Anáhuac México. Director General Ejecutivo de Mostrotown Publicidad. Doctor en Investigación de la Comunicación por la Universidad Anáhuac México y Doctor en Ciencias de la Información y de la Comunicación por la Université Savoie Mont Blanc, donde también se desempeña como investigador asociado en el laboratorio LLSETI. Su trabajo se centra en los Métodos Emergentes de Investigación (MEI), los estudios de publicidad y contramarketing, así como en los food studies y la comunicación para la salud alimentaria.

Bibliografía

Bouldoires, A., Reix, F. y Meyer, M. (2017). Méthodes visuelles : définition et enjeux. Revue Française des Méthodes Visuelles, no 1 (juillet). https://rfmv.fr/numeros/1/introduction/.

Ibanez-Bueno, J., y Marín, A. (2021). Images interactives et nouvelles écritures. Un mouvement émergent pour de nouvelles écritures interactives. Revue française des méthodes visuelles, (5). https://doi.org/10.4000/12mp0

Buckingham, D. (2009). `Creative’ Visual Methods in Media Research: Possibilities, Problems and Proposals. Media, Culture & Society, 31(4): 633-52. https://doi.org/10.1177/0163443709335280.

Contreras, F.R. y Marín, A. (2022). Estudios Visuales en Brasil. Tirant lo Blanc.

Cruz, E. G., Sumartojo, S. y Pink, S. (2017). Refiguring Techniques in Digital Visual Research. Springer.

McDougall, D. (1995). Beyond observational cinema. In P. Hockings (ed.), Principles of Visual Anthropology. Mouton de Gruyter.

Pauwels, L. (2010). Taking the visual turn in research and scholarly communication key issues in developing a more visually literate (social) science. Visual Sociology, 15(1): 7-14. https://doi.org/10.1080/14725860008583812.

Pink, S. (2009). Doing Sensory Ethnography. Sage.

Ruby, J (2000). Picturing culture: explorations of film and anthropology. The University of Chicago Press.

Switzer, S. (2018). «That’s in an Image?: Towards a Critical and Interdisciplinary Reading of Participatory Visual Methods». En Moshoula Capous-Desyllas y Karen Morgaine (Eds.), Creating Social Change Through Creativity, pp. 189-207. Springer International Publishing. https://doi.org/10.1007/978-3-319-52129-9_11.

Yvart, W., Delestage, C.A. y Lamboux-Durand, A. (2023). Les contours des méthodes visuelles. In III Conference on Visual and Multimodal Methods, Universidad de La Laguna, Tenerife, Espagne.

Artivismo digital – Intersecciones entre arte, activismo y transformación social

En una era definida por la saturación digital, la conectividad ubicua, el control algorítmico y los flujos globales de información, el artivismo digital ha surgido como una poderosa forma de resistencia creativa. Se sitúa en la intersección entre la innovación artística y la intervención política, utilizando herramientas, plataformas y estéticas digitales para cuestionar las narrativas dominantes, denunciar injusticias y movilizar comunidades hacia la transformación social. La rápida expansión de las redes sociales y el intercambio digital ha reconfigurado el terreno del activismo. Desde la inmediatez de los memes virales que satirizan a líderes políticos hasta la proliferación del subvertising — la apropiación y alteración de la publicidad corporativa para revelar ideologías subyacentes —, el artivismo digital se nutre del remix, la visibilidad y la disrupción. Los activistas han desarrollado campañas con GIFs, arte web interactivo, contranarrativas generadas por inteligencia artificial e intervenciones en realidad aumentada que abordan críticamente el espacio público, las políticas de clase e identidad, la urgencia climática y la cultura de la vigilancia. Otras formas más radicales, y a menudo ilegales, como el hacktivismo, desafían a las instituciones mediante acciones digitales directas, desde la desfiguración de sitios web y la filtración de datos hasta la interrupción táctica de infraestructuras estatales y corporativas. Proyectos como las operaciones en línea de Anonymous, las acciones satíricas de The Yes Men o los hackeos artísticos y políticos de colectivos como !Mediengruppe Bitnik ejemplifican cómo las herramientas digitales pueden convertirse en armas estéticas y políticas para exigir transparencia y rendición de cuentas. El artivismo digital también se manifiesta en prácticas artísticas generativas que emplean sistemas algorítmicos para denunciar sesgos de datos, en colectivos de net-art que diseñan plataformas para la protesta anónima, o en performances de realidad extendida (RX) que reimaginan historias y futuros posibles de resistencia. Lo que une estas prácticas es su capacidad de generar reflexión crítica implicando activamente al público a través de la cultura visual, la alfabetización digital y la participación en red. Así, el artivismo digital no es solo un método de intervención, sino también una forma de narrar, construir comunidad e imaginar alternativas.

Se invita a presentar trabajos que aborden las dimensiones teóricas, históricas, metodológicas y prácticas del artivismo digital, especialmente aquellos que analicen su potencial transformador en las sociedades contemporáneas saturadas de medios. Se aceptarán formatos variados de materiales inéditos: artículos de investigación, reflexiones basadas en la práctica, estudios de caso y análisis interdisciplinarios. Las propuestas deben ofrecer una perspectiva original sobre el potencial transformador de las prácticas creativas digitales en la intersección entre arte y activismo. Las propuestas pueden abordar, entre otros, los siguientes temas:

  1. Historias y genealogías del artivismo digital

Contextualización de orígenes, trayectorias y evoluciones del artivismo digital en relación con narrativas más amplias de resistencia política, innovación artística y desarrollo tecnológico.

  1. Marcos teóricos y conceptuales

Análisis de prácticas como la apropiación, la cultura remix, el subvertising, culture-jamming, hacktivismo, medios tácticos y otras formas híbridas de intervención artístico-activista.

3.    Pedagogías críticas y formas de arte digital inclusivas

Estudio de cómo la estética relacional, los enfoques socialmente transformadores y las prácticas digitales intervencionistas operan en entornos educativos fomentando el pensamiento crítico y la conciencia social.

4.    Artivismo digital y co-construcción comunitaria

Exploración del papel del artivismo digital en la construcción o reconstrucción de identidades comunitarias y minoritarias frente a formas de marginación estructural. Énfasis en derechos humanos, agencia colectiva y resiliencia cultural.

5.    El artivismo digital y la Agenda 2030 de las Naciones Unidas para el Desarrollo Sostenible

Reflexión sobre cómo el artivismo digital contribuye a los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS), en particular en lo relativo a la justicia medioambiental, la acción climática y la protección de ecosistemas sostenibles mediante la práctica artística.

6.    Metodologías de práctica y participación

Presentación de marcos metodológicos que promuevan procesos participativos y co-creativos. Se valorarán estudios de caso y experiencias prácticas que analicen cómo las estrategias artivistas fortalecen el compromiso cívico.

7.    Entre el arte político y el arte activista

Reflexiones críticas sobre las diferencias conceptuales y prácticas entre arte político y arte activista, en relación con sus objetivos, audiencias, modos de intervención e impacto sociopolítico.

Fechas clave:

Fecha límite para el envío de propuestas: 30 de septiembre de 2025

Notificación de aceptación: 15 de noviembre de 2025

Envío de la versión final: 31 de diciembre de 2025

Publicación: 1 de febrero de 2026

Editores: Isabel Cristina Carvalho (CIAC, Universidade Aberta), Marc Garrett (Furtherfield, Ravensbourne College of Design and Communication) y Pedro Alves da Veiga (CIAC, Universidade Aberta).

Isabel Cristina Carvalho es artista e investigadora, con formación en Arquitectura y doctorado en Arte en Medios Digitales (2016), centrado en medios locativos y flujos urbanos. Fue investigadora posdoctoral en Animación por Ordenador en la Universidad de Bournemouth (2018–2019). Actualmente, es investigadora en el CIAC de la Universidade Aberta, donde estudia procesos de mapeo comunitario y colaborativo, así como la interacción entre personas, espacios y tecnología, con un enfoque en la relación entre lo real y lo virtual en experiencias urbanas híbridas a través del locative media art.

Marc Garrett es artista, escritor, activista y comisario. Cofundó el colectivo artístico de Internet Furtherfield junto con Ruth Catlow en 1996, y codirige su galería y laboratorio en Finsbury Park, Londres, desde 2004. Ha comisariado numerosas exposiciones y publicaciones de arte multimedia, entre ellas Artists Re:Thinking the Blockchain (2017) y Frankenstein Reanimated (2022). Su biografía política Feral Class se publicará en verano de 2025, seguida de 30 Years of Furtherfield (otoño de 2025), coeditada con Regine DeBatty y Martin Zellinger.

 

Pedro Alves da Veiga es profesor y subdirector del programa de doctorado en Arte en Medios Digitales de la Universidade Aberta (Portugal). Su investigación tiende puentes entre arte, ciencia, tecnología y sociedad, centrándose en el impacto de las economías de la atención y la experiencia en los ecosistemas del arte de los nuevos medios, el comisariado de arte digital y las metodologías de investigación basadas en las artes y la práctica. Como artivista, explora el arte generativo, los sistemas interactivos, la programación creativa, el ensamblaje y los medios audiovisuales digitales.

Llamada de trabajos (en permanencia)

  • Varia (artículos distintos a los del dossier);
  • Reseñas y Entrevistas;
  • Crónica de Arte.